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Cantelli – VI – Brahms: Symphonie n°3 Op.90 – 2 Versions

NBC SO Carnegie Hall – 15 December 1951 (Bande/Tape)

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Philharmonia Orchestra – 8, 9, 12, 16 &18 August 1955 (GHLP 1004-Mono)

La Troisième Symphonie est réputée comme étant la Symphonie de Brahms la plus difficile à interpréter. Si des chefs comme Walter ou Furtwängler ont signé des versions considérées comme des références, elle a posé beaucoup de problèmes même à de grands brahmsiens, à commencer par Toscanini qui, dans ses témoignages enregistrés, ne l’a vraiment réussie qu’avec le Philharmonia Orchestra, en concert à Londres au Royal Festival Hall en 1952.

C’était par contre une des grandes interprétations de Guido Cantelli qui en a laissé trois témoignages enregistrés (NBC SO, Boston SO, Philharmonia Orchestra).

L’enregistrement réalisé pour HMV/EMI à Kingsway Hall en 1955 a été capté à la fois en monophonie et en stéréophonie expérimentale. A cet effet , il y avait deux équipes de prises de son. L’enregistrement stéréophonique n’a été publié qu’en 1978, et depuis, c’est cette seule version qui est rééditée. Toutefois, en comparant ces deux captations, on constate qu’avec l’étalement en largeur de l’orchestre procuré par la stéréo, la réverbération de Kingsway Hall tend à diluer les timbres et à lisser les phrasés, alors que la prise de son mono, bénéficiant d’un judicieux placement microphonique qui permet à l’acoustique ample de la salle de porter pleinement le son de l’orchestre, est bien mieux définie: l’interprétation sonne de manière nettement plus vivante, et les timbres et les détails du phrasé sont mieux restitués. Avec la version mono, on est aussi musicalement plus proche de la version enregistrée en concert avec le NBC SO.

Le tableau des minutages ci-dessous montre qu’en studio avec le Philharmonia, et comme c’était en général le cas avec Cantelli, les tempi sont plus larges. Il montre aussi qu’en concert, Cantelli faisait la reprise (environ 3′) dans le premier mouvement, mais que cette reprise est malheureusement omise dans l’enregistrement commercial avec le Philharmonia.

Minutages/Timings:

NBC SO 15 Dec. 1951 (12’23; 7’57; 5’35; 8’06)

Boston SO 25 Dec. 1954 (12’28; 7’58; 5’45; 8’02)

NYPO 20 Jan. 1955 (12’40; 7’45; 5’40; 8’10)

Philharmonia Orch Aug. 1955 (9’57; 8’43; 6’18; 8’25)

[Philharmonia Orch Toscanini 1 Oct 1952 (12’27; 8’31; 6’17; 8’34)]

Cantelli Philharmonia Edinburgh

Among the Brahms Symphonies, the Third Symphony is considered as being the most difficult to perform. If conductors like Walter or Furtwängler have made recordings considered as references, it proved problematic even for great Brahms conductors, and for Toscanini to start with, who in his recorded testimonies was only successful with his 1952 London concert in Royal Festival Hall with the Philharmonia Orchestra.

On the other hand, it was one of the great performances of Guido Cantelli who left three recordings (NBC SO, Boston SO, Philharmonia Orchestra).

The 1955 recording for HMV/EMI in Kingsway Hall was made both in mono and in experimental stereo. For this purpose, there where two recording teams. The stereophonic version was published only in 1978, and since then, is the only one to be re-issued. However a comparison between both reveals that, because of the Kingsway Hall reverberation, the spreading in width of the orchestra brought by stereophony goes with a lower definition of the timbres and a smoothing of the phrasings, whereas the mono version, because of a well chosen microphone placement that allows the warm hall acoustics to bring a full-blooded orchestral sound, has much more definition: the performance sounds much more alive, and the timbres and the details of phrasing are better reproduced. With the mono version, we are also musically closer to the concert performance recorded with the NBC SO.

The timings (see above) show that in studio with the Philharmonia, and as was generally the case with Cantelli, the tempi are broader. They also show that, in live performances, Cantelli made the first movement repeat (about 3′), but that this repeat was omitted in the commercial recording with the Philharmonia.

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Chapuis – Maîtres Français de l’Orgue – Orgue Clicquot de la Cathédrale de Poitiers

Michel Chapuis à l’Orgue François-Henri Clicquot de la Cathédrale de Poitiers

Enregistré en juillet 1961 (procédé Charlin) par Thomas Gallia (Disque Charlin AMS-30)

01-07 Jean Adam Guilain-Freinsberg Suite du Premier Ton: Grand plein jeu – Tierce en taille – Duo de Tierces – Basse de trompette – Trio de flûtes – Dialogue en sol mineur – Petit jeu

08-14 Jean Adam Guilain-Freinsberg Suite du Deuxième Ton: Grand plein jeu – Trio -Duo – Basse de trompette – Récit de hautbois – Dialogue – Petit plein jeu

15-18 Jean-François D’Andrieu: I Offertoire – II Récit de Nazard – III Fugue sur « Ave Maris Stella » – IV Grand plein jeu

19 Jean Adam Guilain-Freinsberg Suite du Quatrième Ton: Cromorne

20-21 André Raison Suite du Premier Ton: Grand plein jeu – Basse de trompette

22 André Raison Suite du Premier Ton: Trio en passacaille sur le Christe

23 André Raison: Offertoire sur le Vive-le-Roy des Parisiens

L’orgue François-Henri Clicquot (1791) de la Cathédrale de Poitiers (4 claviers et pédalier – 44 jeux – la = 394 Hz), est le seul grand instrument de facture Clicquot qui ait été conservé quasiment intact. Il a certes subi un certain nombre de modifications au cours du XIXème siècle (passage au tempérament égal; pédalier à l’allemande et nouvelle soufflerie en 1871) et au XXème siècle (électrification de la soufflerie en 1926, pédalier moderne en 1954), mais les projets de changements drastiques, comme ceux d’Aristide Cavaillé-Coll pour le transformer en orgue symphonique, ont heureusement échoué par manque de crédits.

La description ci-dessus correspond à l’état de l’orgue pour cet enregistrement de 1961, le tout premier à avoir été réalisé sur cet instrument d’exception, et également le premier microsillon complet de Michel Chapuis (1930-2017), pionnier de la pratique alors contestée des notes inégales et des ornements*.

Michel Chapuis en 1960

L’entretien de l’orgue est assuré depuis 1927 par le facteur Robert Boisseau de Poitiers assisté de son fils Jean-Loup. Ce dernier, sous l’impulsion de l’organiste Jean-Albert Villard, titulaire de l’orgue de 1950 à 2000, mène à bien (avec Bertrand Cattiaux) le grand relevage, de 1988 à 1994, permet de revenir à un tempérament inégal (avec quatre tierces justes), d’effectuer un nettoyage des tuyaux et d’installer une soufflerie conforme à la facture du XVIIIème siècle. Toutefois, le choix de ce tempérament ne s’avérera pas optimal.

En décembre 1996, Michel Chapuis déclarait à propos de cette restauration: « Pour ma part, l’orgue de la Cathédrale de Poitiers est certainement le plus parfait et le plus beau de notre pays. Avant cette intervention, on avait déjà une idée de ce qu’était le Grand Jeu, les anches sonnaient avec beaucoup de noblesse, mais la partie tuyaux à bouche constituant le fond d’orgue et les pleins jeux ne parlaient plus que partiellement. C’est une joie maintenant de retrouver tout cet instrument avec toute sa tuyauterie rénovée et j’admire beaucoup la science de Boisseau et de Cattiaux qui ont su retrouver les gestes qui ont permis de régénérer cet instrument. Ces deux facteurs qui sont nés, si j’ose dire, à l’ombre de Clicquot en ont compris parfaitement l’esprit et la technique. »

En 2010, J-L Boisseau installe un pédalier à la française et ajuste le tempérament inégal de l’instrument (mais seulement en décalant l’accord des tierces justes). Enfin, une dernière intervention réalisée par Bertrand Cattiaux à l’automne 2016 permet d’optimiser le tempérament de l’orgue.

*Dans son livre d’entretiens « Plein Jeu », Michel Chapuis a dit: « Dès que ce disque a été diffusé, il a surpris beaucoup de critiques. On an a beaucoup parlé dans les revues et cela m’a amené des élèves étrangers dans ma classe au Conservatoire de Strasbourg. C’est le disque qui m’a fait connaître ».

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The 1791 organ of the Poitiers Cathedral, built by François-Henri Clicquot (4 manuals and pedal – 44 stops – A = 394 Hz), is the only great instrument by organbuilder Clicquot to have survived almost intact. There were indeed some modifications during the 19th century (equal temperament; German pedalboard and new wind system in 1871) and the 20th century (electrification of the wind system in 1926, modern pedalboard in 1954), but the projected drastic changes, such as those suggested by Aristide Cavaillé-Coll to turn it into a symphonic organ, happily failed by lack of money.

The above description is that of the organ for this 1961 recording, the first one made of this outstanding instrument, and also the first complete LP recorded by Michel Chapuis (1930-2017), pionner of the then disputed practice of unequal notes and ornaments.

The maintenance of the organ is made since 1927 by the organbuilder Robert Boisseau (Poitiers) together with his son Jean-Loup. The latter, under the impulse of the organist Jean-Albert Villard, titular of the organ from 1950 to 2000, conducts (with Bertrand Cattiaux) the great overhaul from 1988 to 1994, which allows to go back to an unequal temperament (with four straight thirds), to clean the pipes and to install a wind system in keeping with the 18th century practice. However, the choice of this temperament was not considered as optimal.

In december 1996, Michel Chapuis declared about this restoration: « For me, the organ of the Poitiers Cathedral is certainly the most perfect and the most beautiful in our country. Before this overhaul, we already had an idea of was the « Grand Jeu » was, the reed pipework sounded with great nobility, but the flue stops constituting the « fond d’orgue«  and the « Pleins Jeux » only spoke partly. It is now a joy to rediscover this instrument with all of its pipework renovated and I admire very much the science of Boisseau and of Cattiaux who knew how to rediscover the skill that allowed to regenerate this instrument. These two organbuilders who were born, if I dare say, at the shadow of Clicquot have perfectly understood his spirit and his technique. »

In 2010, J-L Boisseau installs a French pedalboard and adjusts the unequal temperament of the instrument (but only by shifting the tuning of the straight thirds). Then, a last intervention conducted by Bertrand Cattiaux in autumn 2016 leads to an optimization of the temperament of the organ.

*In his Book « Plein Jeu », comprised of interviews, Michel Chapuis said: « As soon as this record was published, many critics were surprised. It was much debated in musical reviews and this brought  foreign students to my class at the Strasbourg Conservatoire. It is through recordings that I became known ».

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Scherchen – II – Mahler: Symphonie n°7 Toronto SO

Hermann Scherchen Toronto Symphony Orchestra

Toronto Massey Hall – 22 April 1965

Source: Bande/Tape  19 cm/s / 7.5 ips

En 1965, le Toronto Symphony Orchestra a mis à son programme la Septième Symphonie de Mahler, pour en donner la Première au Canada. Le chef qui devait la diriger, Heinz Unger (1895-1965), spécialiste de Mahler établi à Toronto et bien oublié de nos jours, étant brusquement décédé le 25 février, il a été fait appel à Hermann Scherchen qui, à cette occasion, a dirigé pour la première fois au Canada.

On connaît surtout deux enregistrements de cette symphonie par Scherchen, l’un fait pour la Radio en 1950 avec le WSO, et l’autre en 1953, avec l’Orchestre du Staatsoper pour la firme Westminster. Si le premier pose des options interprétatives intéressantes, on y perçoit un manque assez gênant de répétitions, alors que le deuxième est une des meilleures versions discographiques.

Depuis cette date, Scherchen a évolué, aussi bien par ses expériences dans ses studios de Gravesano que par l’interprétation de la musique contemporaine jusqu’à Xenakis, et pour le concert de Toronto, ses réflexions l’ont conduit beaucoup plus loin. Cette interprétation tendue, à nulle autre pareille, repose sur des tempi rapides* et pousse les musiciens dans leurs retranchements, et elle propulse l’œuvre dans le XXème siècle en la rendant clairement proche de Schoenberg**. Scherchen excelle à créer dès le début du premier mouvement un climat hallucinant qu’il prolonge ensuite dans les trois mouvements nocturnes qui forment le volet central.

La retransmission du concert est précédée d’une introduction au cours de laquelle est diffusée une brève interview du chef d’orchestre par le compositeur canadien Harry Somers (1925-1999).

* Dans l’édition Bote und Bock de 1909, aussi bien que dans les programmes de concert dirigés par Mahler (Concertgebouw 2, 3 et 7 octobre 1909), Mengelberg (NYPO 8 & 9 mars 1923) et Mitropoulos (NYPO 11 & 12 novembre 1948), la partie Allegro du premier mouvement est désignée comme « Allegro con fuoco », ce qui est très différent de l’indication « Allego risoluto ma non troppo » qui est maintenant usuelle . L’interprétation de Scherchen est résolument « con fuoco »!

** Après les concerts de Mitropoulos de novembre 1948 avec cette œuvre, curieusement couplée avec le Concerto Champêtre de Poulenc avec le compositeur au piano, Olin Downes, qui en fait a quitté le concert au milieu du troisième mouvement de la symphonie, a publié dans le New York Times du 12 novembre 1948 un article au vitriol dénigrant la Symphonie de Mahler comme étant « du mauvais art, de la mauvaise esthétique et de la mauvaise musique, présomptueuse et ouvertement vulgaire ». Cet article a suscité une vigoureuse protestation de la part d’ Arnold Schoenberg qui tenait beaucoup à cette œuvre. Downes a publié cette lettre dans le numéro du 12 décembre, mais dans sa réplique, il n’a rien changé à son opinion.

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Pistes/Tracks:

01- Annonce/Announcement Interview Hermann Scherchen (Harry Somers)

02- I Langsam Adagio Allegro risoluto ma non troppo

03- II Nachtmusik I Allegro moderato

04- III Scherzo Schattenhaft (Fliessend, aber nicht schnell)

05- IV Nachtmusik II Andante amoroso

06- V Rondo-Finale Tempo I (Allegro ordinario) Tempo II (Allegro moderato ma energico)

07- Désannonce/Announcement

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In 1965, the Toronto Symphony Orchestra decided to premiere in Canada Mahler’s Seventh Symphony. The conductor who was hired to conduct it, Heinz Unger (1895-1965), a Mahler specialist living in Toronto, who is now sadly forgotten, unexpectedly died on February 25. Hermann Scherchen was called, and this was the first time he conducted in Canada.

Two recordings of this symphony by Scherchen are best known: one made for in 1950 for the Radio with the WSO, and the other one in 1953, with the Staatsoper Orchestra for Westminster. If the first one sets interesting performing options, the performance is marred by a noticeable lack of rehearsals, whereas the second one is one of the best recordings of the work.

Since that time, Scherchen has evolved, because of his experiments in his Gravesano studios as well as his interpretation of contemporary music up to Xenakis, and for the Toronto concert, his thoughts led him much further. This tense performance, which is unlike any other, is based on fast tempi* that bring the musicians to their utmost, and it propels the work well into the le XXth century, making it clearly close to Schoenberg**. Scherchen excells in creating from the start of the first movement an hallucinatory atmosphere which he further extends to the three nocturnal movements that constitute the central part.

The concert broadcast starts with an introduction including a brief interview of the conductor by Canadian composer Harry Somers (1925-1999).

* In the 1909 Bote und Bock printed score as well as in the printed concert programs conducted by Mahler (Concertgebouw 2, 3 & 7 October 1909), Mengelberg (NYPO 8 & 9 March 1923) and Mitropoulos (NYPO 11 & 12 November 1948), the Allegro part of the first movement is named « Allegro con fuoco », which is very different from the now used term « Allego risoluto ma non troppo ». Scherchen’s performance is unmistakably « con fuoco »!

** After the Mitropoulos concerts of November 1948 with this work strangely coupled with Poulenc’s Concerto Champêtre with the composer at the piano, Olin Downes, who in fact left the concert in the middle of the third movement of the symphony, published in the New York Times (November 12, 1948) a vitriolic article denigrating Mahler Symphony as being « bad art, bad esthetic and bad, presumptuous, and blatantly vulgar music ». This article fueld a vigorous protest by Arnold Schoenberg for which this work was so important. Downes published his letter in the December 12 issue, but in his response, he changed nothing to his opinion.

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Furtwängler – Beethoven: Symphonie n°9 Op125 Bayreuther Festspiele Bayerischer Rundfunk 29 Juli 1951 – BIS Edition SACD & Téléchargement

Beethoven Symphony n°9 Op125 Das Festspielorchester – Das Festspielchor Bayreuth

Elisabeth Schwarzkopf, Elisabeth Höngen,Hans Hopf, Otto Edelmann

Dir: Wilhelm Furtwängler

 

La firme suédoise BIS vient de mettre en vente sous forme de SACD Hybride (BIS-9060) et de téléchargement HD la captation par la Radio Suédoise de la retransmission en direct de ce concert par la Radiodiffusion Bavaroise (Bayerischer Rundfunk), qui de manière inattendue a été conservée dans ses Archives. 

Les négociations entre Wilhelm Furtwängler et Wieland Wagner préalablement à ce concert, la composition de l’orchestre et des chœurs, l’organisation  des répétitions, les circonstances techniques de la retransmission et de la captation par la Radio Suédoise, ainsi que le contenu de l’enregistrement publié par EMI sont discutées dans cet article: pour le lire,  cliquer ICI

The Swedish record company BIS has recently issued both as a Hybrid SACD (BIS-9060) and as a Hi-Res download (24 bits/96 KHz) the recording made by the Swedish Radio of the Bavarian radio (Bayerischer Rundfunk) live broadcast of this concert, which has unexpetedly survived in its Archives.

The negociations between Wilhelm Furtwängler and Wieland Wagner prior to the concert, how the orchestra and the choir were organized, the rehearsal plan, the technical circumstances of the broadcast and of its recording by the Swedish radio, as well as the content of the recording as published by EMI are discussed in this article: to read it, click HERE

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Münchinger – IV – Mozart: Concerto pour Clarinette K622 (Alfred Prinz) & pour Flûte et Harpe K299 (Werner Tripp & Hubert Jelinek) WPO

Enregistré à Vienne à la Sofiensaal les 16 (K622) & 19-21 (K299) septembre 1962

Prod: Christopher Raeburn – Eng: James Brown

Source: Bande/Tape  19 cm/s / 7.5 ips

Avec trois solistes des Wiener Philharmoniker, voici, sous la baguette de Karl Münchinger, une version privilégiée de ces deux concertos.

Le clarinettiste Alfred Prinz (1930-2014), élève de Leopold Wlach (1902-1956), intègre en 1945 (à 15 ans!) l’orchestre du Wiener Staatsoper. En 1956, il succède à Leopold Wlach en tant que membre des Philharmoniker. Il est 1ère ou 2e clarinette de 1956 à 1964, et 1ère clarinette de 1964 à 1984, puis 2e clarinette jusqu’à sa retraite en 1995.

Le flûtiste Werner Tripp (1930-2003) quitte en 1955 l’orchestre de Graz pour intégrer l’orchestre du Wiener Staatsoper (2e flûte). Il devient membre des Philharmoniker en tant que flûte solo en 1961, poste qu’il conservera jusqu’à sa démission en 1977.

Le harpiste Hubert Jelinek (1909-1980) intègre le Staatsoper et les Philharmoniker en 1936, où il reste jusqu’à sa retraite en 1974.

N.B. L’orthographe admise est Jelinek plutôt que Jellinek.

With three soloists from the Wiener Philharmoniker (WPO), here is, with Karl Münchinger conducting, a privileged version of these two concertos.

Clarinettist Alfred Prinz (1930-2014), pupil of Leopold Wlach (1902-1956) joins in 1945 (at the age of fifteen!) the orchestra of the Wiener Staatsoper. In 1956, he succeds Leopold Wlach (1902-1956) as a member of the Philharmoniker. He is 1st or 2nd clarinet from 1956 to 1964, and 1st clarinet from 1964 to 1984, then 2nd clarinet until his retirement in 1995.

Flutist Werner Tripp (1930-2003) leaves in 1955 the Graz orchestra to join the orchestra of the Wiener Staatsoper (2nd flute). He becomes member of the Philharmoniker as solo flute in 1961, and remains at this post until his resignation in 1977.

Harpist Hubert Jelinek (1909-1980) joins the Staatsoper and the Philharmoniker in 1936, where he remains until his retirement in 1974.

N.B. The acccepted spelling is Jelinek rather than  Jellinek.